L'histoire de ce crime si terrible a semble-t-il fait dévier le soleil de son orbite en l'entendant. Alors qu'Atrée règne en paix sur Mycènes, son jumeau, Thyeste, séduit sa femme et s'empare du bélier d'or. Devant ce double vol, Atrée a la vengeance furieuse et sert à celui qui est son frère la chair de ses enfants en banquet. Parmi les tragédies de Sénèque, celle que Thomas Jolly choisit de présenter est la plus extrême, la plus sauvage et la plus surnaturelle aussi. Les sujets (l'adultère, le vol, l'infanticide et le cannibalisme) sont irreprésentables et les moyens inventés pour les mettre en oeuvre (la douleur, la rage et le néfaste) implacables. Sans doute parce que Thyeste n'est pas la seule victime de cet attentat qui paralyse la pensée... La transformation radicale et subite d'Atrée en monstre est à l'image de l'effondrement du monde. L'ensemble se fait sous le regard du futur, « une jeunesse impuissante face au chaos dans lequel elle devra vivre et grandir ». Une manière pour Thomas Jolly d'évoquer « le traité d'indulgence mutuelle » que Sénèque proposait déjà à l'humanité.

« Une histoire, c'est comme l'eau
Que tu fais chauffer pour ton bain
Elle porte les messages entre le feu
Et ta peau »
Comme l'eau du poème soufi – donnant son nom à la pièce – porte les messages du feu, le corps est le véhicule entre Emanuel Gat et la danse. Story Water réunit sur le plateau de la Cour d'honneur du Palais des papes danseurs et musiciens pris sous les feux d'une même lumière, intensément blanche, qui sublime via les mouvements, une histoire en temps réel, jamais exactement la même chaque soir. Tous sont emportés dans le même présent par la musique mathématique et méditative de Pierre Boulez, sauvage et physique de Rebecca Saunders et celle composée par le chorégraphe et les musiciens selon les procédés d'une danse où chaque interprète propose à l'ensemble de s'accorder. Tous construisent sous nos yeux une pièce chorale, incroyablement libre, où la danse, la musique et la peinture s'interpellent par le biais des corps, rappelant que, depuis vingt-cinq ans, le chorégraphe ne cesse de réinterroger les infinis potentiels de la relation humaine.

«Si la lecture croisée d'oeuvres de Don DeLillo –Joueurs, Mao II, Les Noms – permet à Julien Gosselin de tisser avec des fils narratifs une thématique qui flirte du côté du terrorisme et des années 1970 à 1990, son rêve de théâtre aujourd'hui s'ouvre à d'autres paysages. Les variations dans les écritures, les sous-textes et le rapport au temps deviennent pour le jeune metteur en scène des évidences qu'il aime à retrouver dans l'auteur américain. « Je ne souhaite pas sur-créer des ponts entre trois textes pour fabriquer une trilogie convaincante et explicite, mais plutôt que la fiction se brise pour que des événements adviennent de partout. »  L'histoire chez les deux hommes – l'écrivain comme le metteur en scène – ne se vit pas de manière linéaire : elle est éclatée, à l'instar des flux d'informations de notre modernité qui alternent instants intenses et moments suspendus. Tel un romancier qui interrompt le déroulé de son intrigue pour poser son décor, telle la discontinuité de la lecture soumise aux aléas du quotidien, les huit heures de spectacle dans lesquelles Julien Gosselin et Si vous pouviez lécher mon coeur nous immergent sont une expérience du sensible. De l'entrée à la sortie de salle, les durées de la fiction et du réel cherchent un accord.

Kreatur parle du corps humain, qui, isolé ou joint à une communauté, se déforme sous la pression. Alors que perdre ou prendre le pouvoir, penser l'altérité ou se regarder soi-même, s'aimer et se détester sont les intuitions de départ de cette pièce, la visite d'une ancienne prison de la Stasi à Berlin a confirmé à Sasha Waltz et ses danseurs des points d'appui mémoriels, sensitifs pour travailler le confinement inhumain, la station debout, le continuel éveil. La chorégraphe évoque un monde où les constrictions autant physiques que physiologiques nous obligent au mouvement. Le corps devient le symbole d'une lutte, pris en étau entre des sensations concrètes d'emprisonnement et des sentiments de libération. Pour chercher ce qu'il y a de sombre et de lumineux en chacun, elle a souhaité travailler en collaboration avec de grands artistes, pour les costumes, l'espace et ses reflets, les sons métalliques et concrets... Tout cela compose Kreatur : un univers minimaliste de noir et blanc, où seule la peau et le vivant font couleur et où les figures en présence sont des images d'un futur possible, à la fois familières et inconnues.

2025. Quelque part dans les eaux glacées internationales. Intérieur nuit. Froid. Salle de réception d'un paquebot de croisière. Extérieur plus froid encore. Inquiétante embarquée pour sept passagers clandestins, entre Danemark et Groenland. Très loin de s'amuser, cette croisière navigue à vue dans un environnement hostile sur fond de réchauffement climatique. Qu'allaient-ils donc faire dans cette galère ? Une ancienne ministre du Groenland, son ex-conseiller, une activiste écologiste, un journaliste, la veuve d'un homme d'affaires, le commandant du bateau et une adolescente cherchent à savoir qui les a mystérieusement réunis là et pourquoi. Polar politique ? Fiction écologique prémonitoire ? Huis clos à l'humour cinglant ? Mortelle traversée ? Entre théâtre et cinéma, dans un décor gigantesque aux coulisses tout aussi impressionnantes, Anne-Cécile Vandalem nous embarque dans une expédition champ/hors champ à la tension d'une glaçante précision où le réchauffement climatique et la vengeance sont des plats qui se mangent froid.

Début des années 1920, des milliers de Japonaises sont envoyées aux États-Unis. Elles y retrouvent un mari et ont pour rêve de mener une vie idyllique dans le pays de la ruée vers l'or. Les espoirs sont vite effacés... Le roman de Julie Otsuka, auteure américaine à l'histoire japonaise, traite de ces arrivées et de leurs déconvenues. à partir de ces « nouvelles pauvres vies », l'écrivaine déroule le fil d'une histoire liant étroitement deux continents jusqu'à la seconde guerre mondiale et qui aura pour résultat de stigmatiser une communauté jusqu'à son invisibilité. Le metteur en scène Richard Brunel, touché par ce drame, se saisit de ce texte et l'adapte au théâtre. Pour faire entendre ces parcours multiples réunis dans un même destin, il s'entoure de comédiennes et comédiens, de leurs différences, et les conduit sur le chemin de la choralité, du « nous » pour mieux souligner la succession des disparitions, et interroger ce paysage américain qui absorbe autant qu'il rejette. À partir d'une parcelle méconnue de l'Histoire, Certaines n'avaient jamais vu la mer fait entendre le destin pluriel de femmes qui ont cru en la possibilité d'un ailleurs.

Au centre de la scène, deux très vieux amants attendent la mort, persuadés que personne ne connaît l'horrible secret qui les lie. Leurs enfants et petits-enfants essaient en vain de s'en libérer ; les fardeaux familiaux se transmettent toujours de manière souterraine. De la société rigide de La Haye, dépeinte dans le roman de Louis Couperus, Ivo van Hove conserve l'atmosphère étouffante, l'aspect tragique. La scène, salle d'attente ou purgatoire, est l'espace de toutes les désillusions, un abîme, emprisonnant les sentiments dont on ne sait plus s'ils s'apaisent ou se déchaînent. Dans une résonance pulsatile, une horloge égrène le temps. Course inéluctable... En noir, les personnages tel un choeur antique portent en eux une angoisse qui prend en étau, bloque les désirs, asphyxie les aspirations. Les émotions parfois délicates restent avant tout crues, souvent abrasives, sans aucun répit pour ce fil générationnel pris au piège. Ivo van Hove, curieux des intuitions si contemporaines de Louis Couperus, a choisi de réfléchir aux moyens d'échapper à son destin, à son héritage. N'y a-t-il pas d'autres formes de relations à inventer en dehors de la classique famille ?

Véritable oratorio théâtral, Il pourra toujours dire que c'est pour l'amour du prophète fait se rencontrer, de manière performative, paroles d'exilés, jeunes comédiens et composition électro-acoustique. à la suite à de nombreux entretiens avec des personnes fuyant pour des raisons identitaires, politiques, les guerres ou les intolérances de leurs pays, le franco-iranien Gurshad Shaheman a réalisé avec le créateur sonore Lucien Gaudion une oeuvre scénique singulière. Une quinzaine d'acteurs partagent une parole qui circule à travers la salle, récusant toute mise en scène réaliste. Un partage des récits et des fragments de vie qui transforme l'espace en labyrinthe sonore. Le spectateur assiste à l'expression de la présence, où tout geste, même infime, est essentiel et accueille ces existences, ces traversées prises entre violence et amour, corps torturés et corps aimés. Avec ce nouveau spectacle, Gurshad Shaheman affirme un art de la perception et du témoignage où le théâtre passe par les sens.